Le flou a toujours été une composante importante de l’image. De la photographie argentique, en passant par la vidéo jusqu’à l’image numérique, le flou s’est imposé, a disparu, a été rajoutée ensuite pour faire à nouveau réel!
Que du bonheur pour le créateur d’image 3D qui cherche avec les techniques dites de « Motion blur » à récréer du flou.

Le flou capté par la photo ou la vidéo
Le flou de mouvement ou flou cinétique dépend bien sur de la vitesse relative du sujet par rapport à l’appareil et de la vitesse d’obturation du capteur ( ou temps de pose ).  Il se distingue du flou de bougé qui est du au mouvement volontaire ou pas de l’appareil pendant la prise de vue.

Pas de flou
Pour éviter ce flou de mouvement à la prise de vue, la séquence pourra être filmée avec une caméra qui permet une cadence supérieure (> 50 images/sec) à celle utilisée pour visionner cette séquence (25 ou 30 images/sec). Peter Jackson a utilisé une Epic Digital Camera pour son dernier film The Hobbit avec une cadence de 128 images/sec.

Le flou peut être aussi enlever éventuellement après le tournage avec des filtres et fonctionnalités diverses en image fixe avec Photoshop et en film avec Nuke par exemple.

Notamment Avec Photoshop on pourra utilisé une combinaison de fonction qui intégre notamment le filtre Netteté Optimisé . De son coté, sur les films, Nuke utilise le Node F-DeBlur qui permet d’enlever des flous légers sur les objets.

Du flou, on veut du flou.. dans nos images 3D
A l’inverse, à partir d’images synthétiques 3D, l’infographiste va rechercher en général à rajouter du flou dans le mouvement  des objets de la scène afin de la rendre plus réaliste… la question est de savoir si nous voyons flou les objets en mouvement ou c’est la vision des appareils de captation que l’on prend pour vrai. Enfin dans tous les cas, un objet en mouvement qui n’est pas un peu flou n’est pas vraisemblable, alors on veut du flou partout.
Les logiciels comme Nuke se sont donc armés de techniques permettant dans toutes situation de réaliser du flou.

D’abord en 2D, Photoshop présente une panoplie impressionnante de possibilités techniques qui permettra d’obtenir un flou de bougé pour autant que soit séparé l’objet concerné de son décor pour apporter le traitement sur celui-ci : flou gaussien, flou de mouvement directionnel, flou optique,…

En 3D et en animation, cela peut devenir plus compliqué ou au moins cela demande un minimum de préparation dans la phase de rendu 3D.
Tous les moteurs de rendu 3D sont équipés pour fabriquer directement le flou de mouvement dans le rendu final. Il apparait 2 inconvénients à cette méthode : La première, les temps de rendu sont trop importants, la deuxième, l’infographiste perd ne récupère pas l’information séparé du rendu et du flou pour pouvoir les arranger comme il veux au final.

Pour palier à ces 2 inconvénients, selon la scène 3D et le moteur de rendu, il sera possible de calculer l’information de l’intensité du Motion blur qui sera stocké dans une passe de rendu pour pouvoir l’interpréter en post production. Sous Mentalray, la passe concernée est la 2D Motion Vector qui donne l’intensité sur 2 composantes UV du mouvement relatif par rapport à la caméra. Cette passe est calculé en tenant compte du mouvement du point de pivot et morphologique de l’objet. Cette passe de rendu d’information UV de motion Blur pourra être très facilement interprétable par un logiciel comme Nuke avec un Node de type VectorBlur. Ce rendu de flou de mouvement obtenu en post production sous Nuke est bien entendu plus rapide que celui calculé directement au moment du rendu.

Dans le cas, ou l’information de l’intensité du flou de mouvement ne peut pas être calculé, il sera nécessaire de trouver des solutions de post production.
Sous Nuke, les Node Oflow et Kronos sont fait pour ce travail de calcul du mouvement des pixels dans l’image qui donnera lieu à une interprétation parfois délicate du mouvement interne des objets dans l’image.

Enfin pour de mouvement simple, décollage d’un avion dans une  séquence filmée par exemple, il sera possible de suivre le mouvement avec un Node Transform et d’utiliser le déplacement en 2D, en x,y de ce Node pour réinventer un flou de mouvement grâce au Node MotionBlur2D qui donne l’information de l’intensité UV du flou au VectorBlur.

Pour les plus accros au flou, vous pourrez toujours essayer de mouliner votre séquence avec le Node VectorGénération de Nuke qui peut donner des interprétations très surprenantes des mouvements dans l’image.

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PORTFOLIO BLOG

Pouvez-vous vou présenter en quelques mots pour nos lecteurs ?
Je m’appelle Jeff Victor. Je vis et travaille à Los Angeles, aux USA. Je travaille chez Nickelodeon Games comme character designer et game concept artist. Durant mon temps libre, je crée pour des galeries, je fais un peu de freelance et je m’occupe d’un blog d’art que je mets à jour régulièrement.

Quand avez-vous commencé à vous intéresser au dessin ?
J’ai toujours aimé le dessin, mais je suis professionnel depuis 2005.

Quelles sont vos influences ?
Je suis surtout influencé par les créations de Pixar, Disney, Dreamworks, Warner Bros, Cartoon Network, etc. Les artistes que j’aime sont trop nombreux pour les nommer, mais en voici quelques-uns quand même : Nico Marlet, Carter Goodrich, Steven Silver, Scott Wills, Peter de Seve et tous les vieux maîtres de l’animation et de l’illustration.

Quelle est la fonction la plus puissante que vous appréciez dans votre logiciel favori ?
Je travaille surtout avec Photoshop CS6 et une tablette écran Cintiq, ce qui est vraiment fabuleux. En général, je dessine sur papier, je scanne et je colorise dans Photoshop. J’adore les réglages de la forme de pinceau Craie. Cet outil donne à mon travail un aspect crayonné naturel.

Quels sont vos films, dessins animés et séries préférés ?
Pour le film : Star Wars
Pour le dessin animé : Batman, the Animated Series
Pour la série : en ce moment, Game of Thrones

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Adobe annonce le lancement d’Adobe Photoshop CC dans le cadre d’une évolution majeure d’Adobe Creative Cloud. Photoshop CC repousse les limites du possible en offrant un processus créatif performant et inédit, la magie légendaire du traitement de l’image et une plus grande liberté de création grâce à de nouveaux outils et workflows. Adobe Photoshop CC sera disponible en juin, uniquement pour les membres Creative Cloud.
Précédemment nommées Creative Suite (CS), les applications créatives Adobe ont été entièrement réinventées pour s’adapter à un processus de création connecté et plus intuitif. Elles font désormais partie intégrante de Creative Cloud et portent l’appellation CC. Photoshop CC a fait l’objet d’un grand nombre de perfectionnements, comme la suppression du flou et l’accentuation de la netteté, destinés à améliorer les workflows créatifs, sans oublier les nouvelles fonctionnalités de Camera Raw. Cette mise à jour réunit les fonctionnalités de Photoshop et de Photoshop Extended pour faciliter l’accès aux outils 3D et à l’analyse d’image, tandis que l’intégration avec Creative Cloud offre des fonctions de collaboration et de partage d’une grande souplesse.

« En diffusant rapidement les dernières innovations en date, nous donnons aux photographes et aux créatifs les moyens de repousser les frontières de l’imagerie et du design numériques », souligne Winston Hendrickson, Vice President of Products du pôle Creative Media Solutions chez Adobe. « Plus besoin pour nos clients d’attendre entre 18e t 24 mois pour bénéficier des nouveautés de Photoshop. Dès qu’une nouvelle fonctionnalité est prête, que ce soit le dernier outil correcteur ou une fonction spectaculaire comme le remplissage avec prise en compte du contenu, elle est disponible via Creative Cloud. »

Nouvelles fonctionnalités de Photoshop CC
Photoshop CC offre une multitude de nouveautés et perfectionnements qui décuplent la créativité et la productivité, qu’il s’agisse de retoucher des photos, de créer du contenu pour des supports en ligne et hors ligne, de réaliser des illustrations 3D ou de filmer des vidéos.



• Une palette d’outils inédits donne accès aux technologies de suppression du flou et d’accentuation de la netteté les plus avancées à ce jour. Le nouvel outil de réduction du tremblement analyse et corrige le flou lié au mouvement de l’appareil photo. Le tout dernier filtre Netteté optimisé utilise des algorithmes de netteté adaptatifs afin de réduire le bruit et les effets de halo pour des résultats de qualité. Grâce au sur-échantillonnage intelligent, les utilisateurs peuvent augmenter la taille d’une image (jusqu’aux dimensions d’un panneau d’affichage), sans aucun effet de pixellisation.



• Grâce à Adobe Camera Raw 8, Photoshop CC s’enrichit de trois nouvelles fonctions de retouche. L’outil Correcteur sophistiqué permet aux photographes de rectifier leurs images au moyen d’un pinceau, et non d’une forme circulaire. Le nouvel outil Dégradé radial offre de puissantes commandes faisant ressortir certains éléments d’une photo sans vignettage, tandis que l’outil Upright redresse automatiquement l’horizon et corrige les perspectives sans déformer l’image. Il est également possible d’appliquer des retouches Camera Raw à un calque ou fichier dans Photoshop CC.



• Les améliorations apportées aux rectangles arrondis permettent d’ajuster les rayons d’angle à tout moment. De plus, il est désormais possible de sélectionner plusieurs tracés, formes et vecteurs à la fois, ce qui facilite la tâche des utilisateurs manipulant divers objets et accélère le workflow.

• Jusqu’ici, Photoshop Extended était considéré comme une application distincte, qui incluait toutes les fonctionnalités de Photoshop ainsi que des fonctions 3D et d’analyse d’image. À partir de Photoshop CC, toutes les fonctionnalités de Photoshop Extended seront rassemblées dans une seule et même application ; tous les utilisateurs bénéficieront ainsi des fonctions avancées de retouche 3D et d’analyse d’image.



• Photoshop CC est le premier logiciel Adobe qui permet de publier des fichiers directement sur Behance. Vous pouvez ainsi présenter votre travail immédiatement et tenir compte des commentaires de vos pairs dans le processus de création. Avec plus de 1,4 million de membres, Behance est la première communauté en ligne de créatifs au monde.



• Photoshop CC inclut toutes les innovations Photoshop mises exclusivement à la disposition des membres Creative Cloud tout au long de l’année écoulée : prise en charge des objets dynamiques dans la galerie d’effets de flou et le module Fluidité, actions conditionnelles et export des styles CSS pour accélérer le design web.



• Adobe propose par ailleurs en test un nouveau workflow entre Photoshop CC et Edge Reflow CC, qui servira à créer dans Photoshop des maquettes web pouvant être facilement converties en sites Web responsive design réactifs compatibles avec tous les terminaux. Cette nouvelle fonctionnalité, qui viendra s’ajouter au flux d’innovations constant proposé aux membres Creative Cloud, devrait être disponible dans Photoshop CC dès cet été.



« Je prends des milliers de photos pour mes projets « Day to Night » et je cherche en permanence à améliorer mon processus de création », confie Stephen Wilkes, photographe primé, dont le travail a été publié dans Vanity Fair, Sports Illustrated, Time, Life Magazine et The New York Times Magazine. « Photoshop faisant désormais partie d’Adobe Creative Cloud, je n’ai pas à attendre chaque année la sortie d’une nouvelle série d’outils et de fonctionnalités, comme le filtre Netteté optimisée et les dernières fonctions de sur-échantillonnage, pour laisser ma créativité s’exprimer. Je suis également ravi de l’intégration avec Behance. Pour moi qui suis photographe, la possibilité de rejoindre une communauté mondiale d’artistes, de directeurs artistiques et de designers est en soi une source d’inspiration. »



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La creation « just a game » de Mike Harrison sera disponible gratuitement et pendant 24 heures au format PSD, le 10 mai prochain sur www.tenbyfotolia.com

Fotolia avec la Saison 2 de TEN invite les internautes à un tour du monde de la création numérique en compagnie des plus grands artistes internationaux, issus de pays où la banque d’images est implantée. Les 4 premières créations ont fait l’objet de plus de 110 000 téléchargements au total le jour de leur lancement.

L’artiste

Son inspiration et ses influences, Mike Harrison les puise dans « l’énergie » de la vie, « comme quand on regarde le monde depuis la fenêtre d’un train ». « Cela réveille en moi un mécanisme de réflexion inconscient. Voir ou entendre quelque chose peut déclencher une idée des semaines plus tard, sans pour autant que je m’en rappelle l’origine ».

Ses domaines de prédilections : le sport et l’éditorial. « Dans le domaine sportif, je retrouve cette énergie stimulatrice que je peux amplifier dans mes créations. Et dans l’illustration éditoriale, ce qui me plaît c’est la retranscription visuelle de l’action, parfois plus impactante que les mots ».

Sa Creation

Sa composition subversive haute en couleur, mêlant l’art digital et traditionnel, illustre clairement le « sens de l’énergie ». « Construite à partir d’image du stock Fotolia et d’éléments dessinés à la main, j’ai travaillé sans ordre établi. Je n’ai cessé de réajuster ma création en superposant les calques, mélangeant les matières et déstructurant les couches pour obtenir une composition homogène purement graphique » … et un résultat unique et surprenant.

+ de techniques

Deux vidéos, sous-titrées en 12 langues, ont été tournées dans le pays de l’artiste. Celle qui présente son univers est à visionner en avant-première sur la page Facebook dédiée à TEN à partir du 6 mai. L’autre, dévoilant les techniques de création, sera disponible le jour J, le vendredi 10 mai, sur  http://www.youtube.com/tencollection et sur www.tenbyfotolia.com.

La vidéo teaser est d’ores et déjà disponible ici.

AUTEUR
Rémi Guibert

Dans cet article, nous allons essentiellement parler de la gradation. La gradation est la quantité d’informations de couleur (de la plus blanche à la plus noire) sur une zone de l’image ou sur son ensemble ; tandis que la chromie est la valeur de teinte (sur le spectre visible). Pour la gradation, on distingue trois zones dans une image : les tons clairs, les tons moyens et les tons foncés.
Une photo se compose généralement de l’ensemble des tons, mais pas forcément ! Par exemple, prise dans l’obscurité, une photo d’où émerge un rai de lumière peut ne pas contenir de tons moyens… ou un portrait pris à contre-jour ne contenir que des tons clairs. La créativité prend alors le pas sur la “normalité” de l’histogramme.

Un outil de mesure
L’histogramme en tant que tel n’est qu’une information : c’est un outil statistique qui indique au photographe ou au retoucheur combien de pixels présents dans l’image possèdent telle nuance de couleur – de 0 (noir) à 255 (blanc). Auxiliaire d’un examen visuel, il permet de s’assurer de l’abondance ou de la rareté d’une nuance dans une image. À la simple vue d’une image, on constate aisément si elle est sombre ou claire ; on distingue facilement la présence ou l’absence de détails dans les hautes ou les basses lumières. Lorsque les zones les plus claires de l’image sont des aplats de blanc ou les zones les plus foncées des aplats de noir, sans nuances, on peut en déduire que l’histogramme sera tronqué sur la gauche ou sur la droite.
Les appareils reflex et un grand nombre de compacts permettent, via l’activation d’une option, l’affichage d’un petit histogramme en temps réel sur l’écran de contrôle. Avec certains écrans qui ne restituent pas bien les hautes ou les basses lumières, c’est très appréciable !
En étudiant les côtés gauche et droit au cours de la prise de vue, on s’assure de ne pas être en train de “brûler” (absence de détail dans les hautes lumières, zones totalement blanches) ou de “boucher” (pas de détail dans les ombres, zones totalement noires) des zones de notre sujet, puis l’on ajuste diaphragme et vitesse pour obtenir un histogramme équilibré. Ou, par exemple, on fera “glisser” l’histogramme sur la gauche afin de préserver le maximum de détails dans les hautes lumières, même si cela est au détriment d’une partie des ombres.

C’est donc ainsi une aide objective, permettant d’optimiser les retouches ultérieures et d’éviter des désagréments, mais qui ne préjuge pas de la qualité esthétique du rendu ! Un histogramme parfait n’existe pas (ni même une photo parfaite). Une image ne se résume heureusement pas à une série de chiffres et nombre d’images fortes reposent, à l’opposé de “l’histogramme parfait”, sur des contrastes très marqués ou sur une plage de tons très limitée…

S’assurer les meilleures conditions
De retour de prise de vue, au moment d’afficher les images brutes sur son ordinateur, une question préalable importante se pose : l’écran sur lequel nous allons visualiser notre travail est-il un outil fiable ? Car si, en effet, l’écran de contrôle de l’appareil photo n’est pas exempt de gros défauts (qui peuvent être contournés grâce à l’affichage de l’histogramme), il faut savoir que les écrans de nos ordinateurs ne sont pas forcément idéaux. Et pourtant, nous allons nous fier à ses qualités d’affichage pour optimiser nos plus beaux clichés pour un large panel d’utilisation : labo de tirage, blogs et galeries en ligne, impression jet d’encre ou offset, tablettes et téléphones… Pour être sûr de ne pas ajouter du bleu à une image qui, en réalité, manque de rouge, il faut faire particulièrement attention à trois facteurs.
Le premier est la capacité de l’écran à reproduire un spectre plus ou moins étendu (et complet) des couleurs : c’est son gamut. Le deuxième point est son étalonnage par rapport à une charte standardisée. Cela peut être réalisé en usine pour les écrans très haut de gamme et, dans tous les cas, dépend de la qualité de fabrication : certaines séries d’écrans parmi les milieux de gamme sont bien équilibrées d’origine. Mais pour l’immense majorité, le recours à une sonde de calibration est vivement recommandé.
Le troisième point, tout aussi important que les précédents, concerne l’environnement de visualisation, et notamment l’éclairage : il est nécessaire pour juger de la justesse de ses retouches à l’écran, comme sur un tirage papier, de les considérer sous une lumière proche de la lumière émise par le soleil à midi… soit une lampe éclairant à une température de 5 000 K. Il existe dans le commerce de nombreuses ampoules dites “lumière du jour”, et notamment dans les magasins ou sites Web spécialisés photo.
Néanmoins, lorsqu’on ne dispose que d’un écran de mauvaise qualité ou non calibré, l’histogramme permet toujours de vérifier, en toute objectivité, la bonne exposition d’un cliché… mais pas la justesse des couleurs !

Lorsqu’on ouvre une photo dans un éditeur, la vue de l’histogramme permet d’apprécier la qualité de la plage/dynamique présente dans l’image : s’assurer notamment de la présence de nuances de blancs ou de noirs. Photoshop, comme la majorité des logiciels de retouche, affiche un histogramme depuis ses premières versions. Il est possible de l’afficher pour la gamme RVB et CMJN, en couleurs ou en noir, éventuellement par couches séparées. L’interface de Photoshop étant modulable, c’est à vous de choisir d’afficher l’histogramme ou toute autre fenêtre qui vous semblera utile. Lightroom et Camera Raw ont une approche différente : ils sont explicitement orientés retouche photo, leur interface ne contient que l’essentiel. Ainsi, dans leur fenêtre principale de travail, l’histogramme apparaît en permanence et est actualisé en temps réel, montrant la répartition des trois couches de couleurs.

Premières corrections
La première méthode de correction d’une image sous Photoshop est d’utiliser les trois curseurs (blanc, noir et gris) de la fenêtre Niveaux – c’est une des plus anciennes fonctions de Photoshop, qui nous permet de manipuler “directement” l’histogramme. Par exemple, pour augmenter la dynamique et le contraste d’une image en répartissant l’histogramme sur toute la plage de nuances : ramener les curseurs blanc et noir vers les premières valeurs présentes sur l’histogramme (les bases de la pyramide). Celui-ci s’adapte et se déploie sur toute la gamme de tons ; cela redonne du contraste à l’image.

Déplacer le curseur central gris vers la gauche permet d’assombrir les tons moyens, le faire glisser vers la droite les éclaircit. La présence des pipettes blanche, noire et grise nous permet de définir directement la position des curseurs. Il s’agit, à l’aide de chacune des pipettes, de pointer dans l’image les zones concernées : indiquons à la pipette blanche où se trouve la zone la plus blanche de l’image (ou celle que nous voudrions voir devenir la plus blanche), puis procédons de même pour la zone la plus sombre avec la pipette noire. Logiquement, dans le cas du gris, il devrait suffire de sélectionner une zone grise dans l’image pour rétablir, éventuellement, la dominance de couleur. Nous verrons par la suite que ce n’est pas si simple…

Malheureusement, toutes les retouches effectuées sur une image, si elles ont pour but son amélioration, peuvent aussi très rapidement nuire à la qualité des pixels affichés. L’histogramme permet de se rendre compte facilement des destructions occasionnées : un histogramme en “peigne” est un signe de cassure dans les tons, qui ne se voit pas forcément à l’œil nu mais peut surgir à l’impression. C’est à présent que l’on se rend compte de l’importance d’une bonne exposition à la prise de vue, afin d’éviter de trop importantes retouches en postproduction.
L’utilisation du mode 16 bits, présent maintenant sur tous les appareils professionnels, permet de s’assurer une confortable marge de manœuvre. En effet, codé en 16 bits, chaque pixel d’une image peut afficher 65 536 nuances, contre seulement 256 en 8 bits. 65 536, soit au total 281 milliards de combinaisons possibles, c’est bien plus que ce que l’œil peut percevoir ; et, justement, cela donne latitude à un certain nombre de corrections sans perte de qualité visible…

Utiliser la fenêtre Courbes plutôt que les Niveaux
La fenêtre Courbes possède les mêmes caractéristiques, dans la mesure où l’on retrouve les curseurs blanc et noir (mais pas de curseur gris) et trois pipettes. L’avantage de la fonction Courbes est qu’elle est beaucoup plus précise que les Niveaux. Car – en plus de déterminer avec les pipettes les valeurs extrêmes et de corriger les éventuelles dominances, en ajoutant des points sur la (ou les) courbe(s) – nous pouvons agir précisément sur la gradation des tons clairs, moyens et foncés.
Une courbe bombée permet d’éclaircir globalement l’image, sans toucher aux hautes et basses lumières (pour faire glisser plusieurs points vers le haut, il faut au préalable les sélectionner avec la touche Maj). Une courbe creusée permet, au contraire, d’assombrir globalement l’image et une courbe en forme de “S” permet d’augmenter le contraste de l’image. L’intérêt ici est de pouvoir accentuer les quarts de ton qui nous intéressent, en ajoutant un ou plusieurs points et en faisant varier la courbe. L’affichage d’un histogramme en arrière-plan permet de doser son intervention.
Notez bien la disposition des nuances : noirs à gauche, blancs à droite, qui est inversée pour les images CMJN. Il est possible de conserver la même disposition en cochant, au choix, dans les options d’affichage de la courbe : Lumière (O-255), qui correspond à la synthèse additive, ou Pigment/Encre en % (synthèse soustractive). Un petit menu de la fenêtre permet d’afficher les courbes par couleur individuelle. Mais plutôt que de s’essayer à corriger la chromie d’une image, ce qui serait fastidieux, il est plus judicieux d’utiliser le menu Image> Réglages> Balance des couleurs.

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Cochez l’affichage que vous préférez. En Lumière, la courbe est inversée par rapport au mode CMJN. En Pigment/Encre, elle est identique.

2
Un double-clic sur chacune des pipettes permet de spécifier des valeurs précises pour le premier blanc imprimable, le noir maximal et un gris moyen.

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La case des options permet d’enregistrer une courbe personnalisée ou d’en charger une autre. Le menu Paramètres prédéfinis propose des courbes des contrastes intéressants.

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Le mode Auto, paramétrable via la case Options, est limité car il ne remplacera pas votre œil !

Dans Lightroom, ainsi que dans Camera Raw, la manipulation des courbes s’effectue grâce à quatre curseurs, ce qui permet de doser ses retouches et de bien agir sur les zones identifiées. L’usage convient parfaitement aux retouches photographiques et encourage à… ne pas aller trop loin !

La palette Courbes de Camera Raw, comme celle de Lightroom, propose des curseurs pour modifier les courbes. Par ailleurs, l’histogramme est visible à tout moment du travail.

Photoshop permet une certaine automatisation des retouches, accessible par la touche “Auto”, dans les fenêtres Niveaux et Courbes. En cliquant dessus, le logiciel effectue lui-même le calage des curseurs blanc et noir, mais aussi le calage du curseur gris vers une valeur neutre. Cette fonction est paramétrable via le bouton “Options”, également présent dans les deux fenêtres Niveaux et Courbes. En fait, il n’est pas vraiment recommandé d’utiliser cette fonction, qui ne possède pas votre jugement esthétique ! Le logiciel agit sans voir réellement l’image, hors c’est à vous d’appliquer des réglages en utilisant votre œil critique et un certain nombre de connaissances… De la même manière, Lightroom et Camera Raw possèdent chacun une touche “Auto”, mais qui n’est pas la panacée. Il vaut mieux effectuer vous-même les réglages qui renforceront la dynamique de votre photo selon le message que vous voulez faire passer.
Plus intéressant, dans la fenêtre Courbes de Photoshop un menu Paramètres prédéfinis vous permet d’appliquer instantanément des courbes accentuant le contraste. Il est aussi possible de garder vos propres courbes en mémoire, en sélectionnant dans le petit bouton d’options Enregistrer le paramètre prédéfini. Vous pouvez les partager par mail et les appliquer sur un autre ordinateur en cliquant sur Charger le paramètre prédéfini.

Les prises de blanc et de noir
Dans l’image, se trouvent les zones les plus claires et les plus foncées. Afin d’assurer une homogénéité de ses productions – par exemple entre une photographie prise en plein air et une autre prise en studio, mais surtout par rapport aux productions des autres photographes –, il est recommandé de “caler” le point le plus blanc et le point le plus noir de ses images. En effet, quoi de plus désespérant que de voir figurer ses clichés dans une galerie publiée dans un magazine, ou sur le Web, et de constater que les noirs sont plus “gris” que ceux des voisins ou complètement “bouchés” ? À l’inverse, lorsque les blancs de l’image manquent de détails, on dit qu’ils sont “brûlés” ; toutes choses qu’évitent en général les photographes.
La première retouche à effectuer sur une image, avant même d’éclaircir ou d’assombrir des zones grâce aux courbes, est donc de déterminer quelles valeurs devront contenir les blancs et les noirs. Par défaut, Photoshop indique les valeurs se rapportant au profil colorimétrique coché dans le menu Édition> Couleurs.
Pour bien choisir les valeurs à indiquer pour le point blanc, il faut envisager sur quels supports l’image va être diffusée. Ici, les valeurs C=4, M=2, J=2 et N=0 correspondent au premier blanc imprimable par une presse offset couleur, dans des conditions standard. Dans tous les cas, il ne faut pas laisser le blanc complètement vide, il est préférable de laisser quelques informations de couleur. Une fois les valeurs du point blanc saisies, il faut déterminer dans l’image où se situe une zone blanche contenant quelques informations. Évitez les reflets et sources lumineuses, choisissez plutôt une zone bien blanche d’un vêtement ou autre objet. Le fait d’appuyer sur la touche Alt permet de situer facilement les zones concernées.

Nous laisserons les informations de noir à R=0, V=0 et B=0, car c’est le profil colorimétrique qui ajustera la valeur maximale. Nous procéderons de même que pour le point blanc, en choisissant cette fois le point le plus sombre de l’image. Ces opérations permettent en deux clics de corriger l’exposition et les dominances de couleur éventuelles.
Régler le point gris est un exercice plus délicat, car il est difficile de trouver un gris neutre dans une image. Le fait d’utiliser une charte au démarrage de la prise de vue permet de résoudre ce problème et d’améliorer considérablement la qualité de ses images. Il suffit ensuite, à l’ouverture dans Photoshop, de cliquer sur la zone grise de la charte à l’aide de la pipette Gris.

Retouches en série
Pour appliquer les réglages effectués sur la première image à toute une série, Lightroom et Camera Raw apportent une incomparable souplesse, puisqu’il suffit de sélectionner les photos que l’on veut modifier à l’identique et de cliquer sur Appliquer les modifications. Le tour est joué ! Photoshop ne permet pas de réaliser cela aussi facilement, mais offre tout de même un outil extrêmement utile appelé Calque de réglage : il s’agit d’une sélection d’outils parmi les plus indispensables à la retouche, accessibles via l’icône du panneau Calques, qui s’additionnent à l’image sous forme de calques spéciaux, appairés à leur masque de fusion, et s’appliquent à tous les calques inférieurs (ou un seul lorsqu’on active le masque d’écrêtage).
L’intérêt de les utiliser est double : ils permettent de réaliser des modifications annulables ou réajustables à tout moment et, surtout, des retouches sélectives puisque l’on peut les masquer en partie. On peut utiliser pour cela le pinceau, une sélection ou une forme et ajouter du noir ou du blanc à leur masque de fusion.
Il est très simple, pour juger de l’effet d’une retouche, de masquer le calque de réglage, de faire varier sa transparence ou son mode de fusion et, en enregistrant votre travail en PSD, de revenir les modifier plus tard. Encore mieux, en affichant deux images côte à côte, nous pouvons faire glisser un ou plusieurs calques de réglage d’une image à l’autre. Cela représente le cœur du système des corrections non destructives dans Photoshop.

Les calques de réglage offrent une grande souplesse : ils permettent d’effectuer des corrections précises, sélectivement, et totalement modifiables à tout moment en enregistrant en PSD.

Article extrait du HS sur la lumière de Savoir Tout Faire en photographie


Photo de la couverture